Andrea Massaioli was born and lives in Torino, Italy, 1960. Autodidact. He graduated in Aesthetics (Gianni Vattimo) with a thesis on “Pictorial Poetics: Gastini, Griffa, Olivieri”.
He mainly uses the languages of painting and sculpture, revisiting their “genres” and “techniques” in a lyric and poetic key, in a more visionary way, his subjects (vegetable and animal beings, everyday objects, anatomy…) are isolated and transformed, through shifts of meaning and morphological derailments, into new totems, semi-divine, apotropaic figures, mental landscapes, emblems of a profound and ambiguous relationship between man and nature .
Andrea Massaioli, nasce nel 1960 a Torino, dove vive e lavora. Autodidatta. Si laurea in Estetica (Gianni Vattimo) con una tesi su “Poetiche pittoriche: Gastini, Griffa, Olivieri”.
Attraverso i linguaggi della pittura e della scultura, l’artista ne rivisita i “generi” e le “tecniche” in chiave lirica e poetica, a volte in modo visionario, i suoi soggetti (esseri vegetali e animali, oggetti quotidiani, anatomie…) sono isolati e trasformati, attraverso slittamenti di senso e deragliamenti morfologici, in nuovi totem, figure semidivine, paesaggi mentali, emblemi di un rapporto profondo e ambiguo tra uomo e natura.
solo exhibitions
group exhibitions
bibliography
Olga Gambari, Blu Oltremare nelle visioni di Massaioli, La Repubblica, 19 maggio 2016.
Francesco Poli, Profondo blu, nel catalogo della mostra DEEP BLUE, Comune di Castellamonte, 2016.
Gianluca Favetto, Il bel modo di vedere la città di Massaioli, 23 gennaio 2016, Repubblica.it.
Edoardo di Mauro, Un’altra storia:arte italiana 1980 -1990, 2014, Chieri.
Anita Pepe, Like gold to airy thinness beat, 3 ottobre 2010, anitapepe.it
Alessandro Demma, Luca Bradamante, Eroi Eroine, iconologia e simulacro, Castello di Rivalta, Torino, giugno / luglio 2010.
Luciana Ricci Aliotta, Le due spirali, in “con-fine”, marzo 2010.
Giorgio Sebastiano Brizio, Andrea Massaioli, in “Arte e Critica”, ottobre / dicembre 2008.
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Guido Curto, Un bacio e dieci conchiglie nel catalogo della mostra omonima, 41 artecontemporanea, 2005, Torino.
Alberto Farinella, Vibranti intese nel catalogo della mostra un bacio e dieci conchiglie, 41 artecontemporanea, 2005, Torino.
Tiziana Conti, Chiudimi in un bacio, Studio Ercolani, 2004.
Tiziana Conti, Disquietings Memories in “Tema celeste”, 2004.
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Simone Menegoi, Sfingi, Galleria Infinito L.T.D., Torino, 2001.
Simone Menegoi, Neonata, in Titolo, maggio/giugno, 2000.
Simone Menegoi, Neonata, da Arte e Critica novembre/dicembre 2000.
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Luisa Perlo, Costruire una collezione, da: Fondazione De Fornaris “Costruire una collezione – Arte Moderna a Torino III – Nuove acquisizioni 1994 -1998 per la Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea”, catalogo a cura di Riccardo Passoni.
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Dario Trento, Immagini dall’affetto trasferite in dipinto, in “La Repubblica” (Bologna), 28 marzo 1996.
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G.Petruzzelli, Quando l’arte nasce dal quotidiano in “Roma”, 18 aprile 1997, Bari.
Salvatore Astore, Valentina Bonomo, Giancarlo Norese, Caterina Fossati, Gianmichele Contu, Paolo Gera, Bruno Grossetti, Enzo Castagno, Jerry Lee Cibilich, testi per il catalogo Andrea Massaioli, 1995, realizzato in collaborazione con Galleria Bonomo, Bari, Galleria Bonomo, Roma, Galleria Caterina Fossati, Torino, Galleria Roberto Monti, Modena, Galleria Via Degli Artisti, Torino.
M. Quesada, Massaioli sospeso fra pittura e scultura in “La Repubblica”, 24 luglio 1995.
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Torino anni ‘80. Ventitré artisti, catalogo della mostra a cura di C. Barbero, B. Merz, F. Poli, Unione culturale Franco Antonicelli e Artífex, Torino, 1994.
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Paolo Fossati, Andrea Massaioli, in Flash Art, n. 167, aprile-maggio 1992, p. 148.
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Dario Trento, Cose leggere e acuminate e Paolo Fossati, Un inventario in Tre mostre molto personali, catalogo della mostra, Circolo Palazzo Giovine, Alba / Galleria Marco Noire, Torino / Galleria Roberto Monti, Modena/ Torino, 1991.
Paolo Fossati, Un inventario, in Andrea Massaioli, Circolo Palazzo Giovine, Alba, 1990.
EXTRACTS / ESTRATTI
Francesco Poli (2016)
“And it is precisely ultramarine blue, modulated in many different shades, that dominates these paintings of his (many of considerable size) (…) Over time, the artist has matured his personal operational processes that activate the pictorial material through overlaying applications of liquid but intense lightness. They are actions that permeate the surface of the canvases, turning them into fluctuating atmospheric or terraqueous spaces whose contours are never well-defined, simultaneously recalling a transfigured natural reality and evocative imaginary territories. These paintings present us with a kind of landscape painting that is always either within or beyond the simple recording of free figurative representation, to the extent that in its essence, it is, above all, a landscape of painting in its physical expressiveness and a resonance of the artist’s psychic and mental energies. (…) But it’s also a painting with organic peculiar connotations, (biomorphic and metamorphic) and with undeniable literary values, and surprisingly imaginative lyricisms. In this sense it seems that in Massaioli’s canvas there are also unique romantic and symbolistic echoes (and an affinity especially with Redon). (…) The workw dedicated to mountain summits are painted with a clear realism, but this descriptive accuracy is only seemingly naturalistic, because there is something metaphysical, there is a kind of heightened visionary tension that seems to refer to the dictates of the aesthetics of the sublime (for instance, something that has to do with the peaks and glaciers painted by Caspar Friedrich). Furthermore, especially in the paintings dominated by a single overpowering mountain summit, immersed in the fluid vastness of the sea blue sky, there is a temptation to see a sort of archetypal phallic symbolism.”
“Ed è proprio il blu oltremare, modulato nelle più varie tonalità, a dominare in questi suoi quadri (molti di considerevole dimensione) (…)L’artista ha nel tempo affinato dei personali procedimenti operativi che attivano la materia pittorica attraverso stesure di liquida ma intensa levità. Sono interventi che impregnano la superficie delle tele trasformandole in fluttuanti spazi atmosferici o terracquei, dai contorni mai ben definiti, che rimandano allo stesso tempo a realtà naturali trasfigurate e a suggestivi territori dell’immaginario. In questi dipinti ci troviamo davanti a una pittura di paesaggio che è sempre o al di qua o al di là del semplice registro della libera rappresentazione figurativa, nella misura in cui è nella sua essenza soprattutto un paesaggio della pittura , nella sua fisica espressività e come risonanza di energie psichiche e mentali dell’artista.(…) Ma è anche una pittura con peculiari connotazioni organiche, (biomorfiche e metamorfiche) e con indubbie valenze letterarie, e sorprendenti lirismi immaginifici. In questo senso mi pare che nel lavoro di Massaioli ci siano anche singolari echi romantici e simbolisti (e un’affinità in particolare con Redon).(…) I lavori dedicati alle cime delle montagne sono dipinti con un realismo più nitido, ma questa precisione descrittiva è solo apparentemente naturalistica, perché c’è qualcosa di metafisico, c’è una sorta di accentuata tensione visionaria che sembra rimandare ai dettami dell’estetica del sublime (per intenderci, qualcosa che ha a che fare per esempio con le vette e i ghiacciai di Caspar Friedrich). Inoltre, soprattutto nei quadri dominati da una sola imponente cima montagnosa, immersa nella fluida vastità del cielo blu oltremare, c’è la tentazione di vederci una qualche archetipica simbologia fallica.”
Guido Curto (2015)
“The small ceramic ensembles by Andrea Massaioli are displayed as precious art-deco ornaments in the room immediately next to them: Panna e Lumache, Serpentelli e Panna, Meringa, Neonata con foglie di fiicus, and Senza Titolo, three colorful carnivorous flowers. Unusual and, in hindsight, incongruous and provocative metamorphic combinations, typical of the sculptures but also of the paintings of the artist, very skilled in playing between realism and surrealism, in a conceptually postmodern perspective.”
“Nella saletta subito accanto all’interno di quattro vetrine sono esposti come preziosi soprammobili art-decò i piccoli gruppi ceramici di Andrea Massaioli: Panna e Lumache, Serpentelli e Panna, Meringa, Neonata con foglie di fiicus, e tre coloratissimi fiori carnivori Senza Titolo: inconsueti e, a ben vedere, incongrui e provocatori accostamenti metamorfici, tipici delle sculture ma anche dei dipinti di quest’artista che è anche pittore, abilissimo nel giocare tra realismo e surrealismo, in un’ottica concettualmente postmoderna.”
Gian Luca Favetto (2012)
“Landscapes that become soul, these Andrea Massaioli’s long glances – glances taken on the finger tips, with a hand’s movement. They are nights that become a village, a city. They are skies. And the skies are waves, velvet, sometimes they are like lawns. Blue with greens, and yellow tongues. Massaioli’s gesture returns the look on the canvas, it embodies it in the canvas. And it’s on the canvas that it becomes loving, epic, romantic. With it’s caresses it produces gashes. And inside the gashes epiphanies are drawn. And in these epiphanies it’s like the painture is breathing and blinking, with its light – its lights – and its breath flying in the Turin’s sky.”
“Sono paesaggi che si fanno anima, queste lunghe occhiate di Andrea Massaioli -occhiate portate sulla punta delle dita, con il movimento di una mano. Sono notti che si fanno paese, si fanno città. Sono cieli. E i cieli sono a onde, sono velluto, a volte sono come prati. Blu con verdi, e lingue gialle. Il gesto di Massaioli restituisce lo sguardo sulla tela, lo incarna nella tela. Ed è sulla tela che si fa affettuoso, epico, romantico. Con le sue carezze produce squarci. E dentro gli squarci si disegnano epifanie. E in queste epifanie è come se la pittura respirasse e battesse le ciglia, con la sua luce -le sue luci- e il suo alito in volo nel cielo di Torino.”
James Putnam (2008)
“This fits with a notion of the primordial in Massaioli’s current work – something existing in or persisting from the beginning of time with such force or qualities it cannot be extinguished. His project conveys the idea of the dual nature of all things and more significantly, that these opposites are not in conflict. It also illustrates the dialogue between pagan and Christian iconography and the idea of an intermediary between man and deity. The sense of duality that pervades Massaioli’s current work makes it seem all the more appropriate to have two parallel site-specific installations in the Milan and Turin galleries where the earthy red and the ethereal blue spiral drawings allude to the downward and upward movements of the human psyche … a union of the conscious and unconscious mind. (…)The slug, which predominates much of Massaioli’s current imagery, may seem a rather bizarre creature to monumentalize but in this context it becomes an apt symbol of procreation, creeping about on its belly while secreting its familiar trail of slime. (…) Massaioli’s depiction of in1terlocked slugs relates to the sacred symbol of the snake consuming its own tail, the oureborus, (from the Greek meaning “tail-devourer”), which is used in many ancient cultures and alchemy to express both unity and infinity. It represents cyclicality and eternal return, especially in the sense of something constantly re-creating itself, like nature regenerating itself by a perpetual act of self-consumption.”
“Sono considerazioni che rientrano nella nozione di primordiale espresso in questi lavori: ciò che esisteva all’inizio del tempo, o che persiste da allora, con forze e qualità tali da non potersi estinguere. Il suo progetto esprime il concetto della dualità insito nella natura stessa delle cose e mostra come questi opposti non siano in conflitto fra loro. Illustra inoltre il dialogo tra l’iconografia pagana e quella cristiana e l’idea di un intermediario fra uomo e divinità. Il senso di dualità che pervade l’opera di Massaioli rende ancora più appropriata la scelta delle due installazioni site-specific parallele nelle gallerie di Milano e di Torino; il rosso della terra ed il blu etereo delle spirali disegnate alludono ai movimenti, verso il basso e verso l’alto, della psiche umana…verso l’unirsi del conscio e dell’inconscio nella mente. (…) La lumaca senza guscio, che predomina in molte delle immagini di Massaioli, potrà sembrare una creatura bizzarra per essere monumentalizzata, ma in questo contesto diventa il simbolo perfetto della procreazione, nel suo strisciare sulla pancia secernendo la familiare traccia di bava. (…) La rappresentazione che Massaioli propone delle lumache intrecciate richiama il simbolo sacro del serpente che divora la propria coda, l’oureborus (dal greco “divoratore di coda”), usato in molte culture antiche e negli studi d’alchimia, per esprimere sia l’unità che l’infinità. Questa raffigurazione rappresenta la ciclicità e l’eterno ritorno, il continuo ricrearsi delle cose, come la natura che si rigenera attraverso un processo perpetuo di auto-consumo.”
Olga Gambari (2008)
“A light and seductive suspension that pervades also the watercolor portraits. At 41 many small papers show couples and figures, some alone, some melting in embraces, some breathing in kisses, in a continuos formal redefinition that sometimes resolves in wanted, vibrating colors. Dreams, imagins that sometimes vanish at dawn. (…) Since the eighties this turin artist works at a visionare world, with a sensual animism that transfigure human beings in vegetables, as well as he anthropomorphizes trees, leaves and flowers. To Massaioli everything smoothly fit in a cyclic energy, where the substance is an eternal becoming. He is a symbolist, a creator of figures that melt in hybrids and metamorphosis. In his figures , aerial figures but also physical from teenager carnality, there is also a mix of imagins of the unconsciousness and appearances from an ancestral memory.”
“Una sospensione leggera e seduttiva che pervade anche i ritratti ad acquerello. Alla 41 tante piccole carte presentano coppie e figure, alcune sole, altre che si fondono in abbracci, si risucchiano in baci, in una continua ridefinizione formale che a volte si risolve in volute, vibranti di acide ed espressioniste cromie. Sogni, immagini che a volte si dissolvono all’alba. (…)Dagli anni Ottanta questo artista torinese lavora a un suo mondo visionario, con un animismo sensuale che trasfigura esseri umani in vegetali, così come antropomorfizza alberi, foglie e fiori. Un senso panico con cui investe anche il regno animale. Per Massaioli tutto si inserisce fluida-mente in una energia ciclica, dove la materia è un eterno divenire. E’ un simbolista, creatore di figure che si sciolgono in ibridazioni e metamorfosi. Nelle sue figure aeree eppure così fisiche, dalla carnalità adolescenziale, si mescolano anche immaginari dell’inconscio e apparizioni da una memoria ancestrale.”
Guido Curto (2005)
“Andrea Massaioli paints in watercolor on paper with a liquid and diffused application, so much so that the color spreads following swirling and chaotic, almost automatic osmotic automatisms, leaving the blinding white of the background as the dominant chromatic element. With this style that evokes Schiele and Klimt, he represents fragile and almost angelic creatures. Young people, girls and boys, also children, with ephebic and long-limbed bodies, sometimes marked by strange stigmata: on the abdomen of a girl, for example, they jut out many tiny pink nipples, similar to those of a female dog. For Massaioli these deformations represent “the lines of milk” biologically present in all mammals, but they also become a sort of imperceptible metamorphosis from man to animal. For this reason, his work can be traced back to that poetic tendency, nowadays of great relevance, labeled as Post-Human or Post-organic. Massaioli invents seductive and disturbing creatures ambiguously suspended between anthropomorphism and zoomorphism. On the other hand, from the beginning, in the mid-eighties (his first solo exhibition was in 1984) he had chosen geese or muzzles of dogs as his privileged subject (his beloved Dalmatian dog and a goose raised in his own garden!) that he painted with evanescent and soft brush strokes, almost monochrome, on large canvases. Since then his style has not changed much, but the iconography has gradually been enriched. With the same fluid technique, using watercolor, reviving the color, since the late nineties it depicts bodies of teenagers in gently sensual, subliminally erotic poses and in some cases even two boys wrapped in passionate loving kisses. According to Massaioli art was born as a representation of own world, intimate and private, where certain people are special, where aesthetic beauty coincides with ethical beauty, where external identity is in symbiosis with the internal one.
“Andrea Massaioli dipinge ad acquerello su carta con una stesura liquida e diffusa, tanto che il colore si diffonde seguendo automatismi osmotici vorticosi e caotici, quasi automatici, lasciando il bianco accecante del fondo come elemento cromatico dominante. Con questo stile che evoca Schiele e Klimt, raffigura creature fragili e quasi angeliche. Persone giovani, ragazze e ragazzi, spesso anche bambine e bambini, dai corpi efebici e longilinei, segnati a volte nel corpo da strane stimmati: sull’addome di una fanciulla, ad esempio,aggettano tanti minuscoli capezzoli rosa, simili a quelli di una cagna. Per Massaioli queste deformazioni rappresentano “le linee del latte” biologicamente presente “in nuce” in tutti i mammiferi, ma diventano anche una sorta d’impercettibile metamorfosi dall’uomo in animale. Per questa ragione il suo lavoro può essere ricondotto a quella tendenza poetica, oggi di grande attualità, etichettata come Post-Human o Postorganica. Massaioli inventa seducenti e inquietanti creature ambiguamente sospese tra antropomorfismo e zoomorfismo. D’altronde fin dagli esordi, alla metà degli anni Ottanta (la sua prima personale è del 1984) lui aveva scelto come soggetto privilegiato le oche o i musi dei cani (il suo amatissimo cane dalmata e un’oca allevata nel giardino di casa!) che dipingeva con pennellate evanescenti e tenui, quasi monocrome, a tempera su grandi tele. Da allora il suo stile non è molto cambiato, l’iconografia però si è via via arricchita. Con la stessa tecnica fluida, ma ad acquerello, ravvivando il colore, raffigura dalla fine anni Novanta corpi di adolescenti in pose dolcemente sensuali,subliminalmente erotiche ed in alcuni casi anche due ragazzi avvinti in passionali baci amorosi Per Massaioli l’arte nasce come rappresentazione del proprio mondo,intimo e privato, dove certe persone sono speciali, dove la bellezza estetica coincide con quella etica, l’identità esteriore è in simbiosi con quella interiore.”
Olga Gambari (2005)
“(…) he works on his visionary world with a sensual animism that transforms humans into plants, as well as anthropomorphizing trees, leaves, and flowers. There is a sense of panic which also affects the animal kingdom. For Massaioli, everything fits seamlessly into a cyclical energy, where matter is an eternal becoming. He is a Symbolist, the creator of figures that melt into hybridization and metamorphosis. His figures, ethereal yet so physical, of adolescent carnality are also mixed with the unconscious imaginary and appearances from an ancestral memory. Dreams, images that sometimes disappear with the dawn.”
(…) lavora a un suo mondo visionario, con un animismo sensuale che trasfigura esseri umani in vegetali, così come antropomorfizza alberi, foglie e fiori. Un senso panico con cui investe anche il regno animale. Per Massaioli tutto si inserisce fluidamente in una energia ciclica, dove la materia è un eterno divenire. E’ un simbolista, creatore di figure che si sciolgono in ibridazioni e metamorfosi. Nelle sue figure aeree eppure così fisiche, dalla carnalità adolescenziale, si mescolano anche immaginari dell’inconscio e apparizioni da una memoria ancestrale. Sogni, immagini che a volte si dissolvono all’alba.
Francesca Solero (2005)
“The green used to represent these lines comes back many times in the teenager bodies, emanated from the genital organs, to underline the organic aspect, more than sexual, of the vitality of the human being. Whetever it’s revealed intimacy, a loving meeting, absolute and inarrestable attraction it never appears the physical and carnal aspect of an overwhelming, epidermal, sexuality, but an almost religious candor of profound spiritual union.”
“Il verde con cui rappresenti queste linee ritona più volte nei corpi adolescenti, emanato dagli organi genitali, a sottolineare l’aspetto organico, più che sessuale, della carica vitale e relazionale dell’individuo. Che si tratti di intimità svelata, di un incontro amoroso, di attrazione assoluta ed inarrestabile non appare mai l’aspetto fisico e carnale di una sessualità travolgente, epidermica, ma un candore quasi religioso di profonda unione spirituale.”
Tiziana Conti (2004)
“In this painting, the material is formative: initially a tempera based on rabbit glue and pigments prepared by the artist himself, then oil painting, however still very diluted, as a manifestation of that flow of moods that metabolizes the becoming of emotions and memories. The subjects are the most diverse: frogs, mushrooms, goose heads, butterflies, meringues strangely linked to soap bubbles, capable of communicating a muffled sensation of lightness. The use of the watercolor technique on the canvas is singular, combining and joining two specificities that are apparently difficult to mix: color, always understood as light that casts an intense gaze on the figuration, finds in the green the highest point of chromatic luminescence. Realism, but even more: the ability to stay halfway between a concrete icon and its imaginative correlate is always present. A similar consideration can be made for sculpture. Balsa wood painted white (light color) at first, then terracotta, glaze, different firing steps depending on the greater or lesser degree of gloss that we propose to achieve. Hanging fish skeletons, rifles, mushrooms, tennis rackets on which mushrooms “bloom”. “Hybrids”, such as frogs and babies, noses and penises, tangled inextricably, the presence of the mind, its inexhaustible ability to generate burst images. Until the most recent meringues, a metaphor for sweetness, to the bodies of newborns, pierced by strange quills, which evoke an original condition soon scratched by existential difficulties. These are disturbing icons, as well as the figures “captured” in the drawings in situations of eroticism, rendered with extreme lightness and chromatic delicacy.”
“In questa pittura la materia è formativa: inizialmente tempera a base di colla di coniglio e pigmenti preparata dall’artista stesso, poi pittura ad olio, sempre comunque molto diluita, estrinsecazione di quel fluire di umori che metabolizza il divenire delle emozioni e dei ricordi. I soggetti sono i più diversi: rane, funghi, teste d’oca, farfalle, meringhe legate in modo strano a bolle di sapone, capaci di comunicare una sensazione ovattata di leggerezza. Singolare risulta l’uso della tecnica dell’acquarello sulla tela che unisce e raccorda due specificità apparentemente difficili da amalgamare: il colore, sempre inteso come luce che getta uno sguardo intenso sulla figurazione, trova nel verde il punto più alto di luminescenza cromatica. Realismo, ma non solo: è sempre presente la capacità di mantenersi a mezza strada tra un’icona concreta e il suo correlato immaginifico. Una considerazione analoga si può fare per la scultura. Legno di balsa dipinto di bianco ( colore della luce) all’inizio, poi terracotta, smalto, passaggi diversi di cottura a seconda del maggiore o minore grado di lucentezza che ci si propone di realizzare. Scheletri di pesci appesi , fucili, funghi, racchette da tennis sulle quali “fioriscono” funghi. “Ibridi”, quali ad esempio rane e neonati, nasi e peni, aggrovigliati in modo inestricabile, presenze della mente, della sua capacità inesausta di generare immagini a raffica. Sino alle più recenti meringhe, metafora della dolcezza, ai corpi di neonati, trafitti da strani aculei, che evocano una condizione originaria ben presto scalfita dalle difficoltà esistenziali. Si tratta di icone inquietanti, così come le figure “catturate” nei disegni in situazioni di erotismo, rese con estrema levità e delicatezza cromatica.”
Simone Menegoi (2000)
“An initial observation: Andrea Massaioli’s painting, especially his more recent work, cleverly defies comment. There’s no narration, no ostentatious citations and no theoretical structure to grasp. The fascination of his images is elusive. It hides at the surface, on the polished surface of the paintings where nothing is hidden.(…) The childhood image is transformed in an enigmatic androgynous of an indefinite age, with two parallel lines of nipples in the chest and in the abdomen. A disturbing invention, disturbing and delicate at the same time, that arises from a real anatomic possibility (even if very rare in the humanity) to underline the suggestion of a universe of creatures inextricably bonded to fluids; creatures that feed and generate food from that same fluids. Finally, Massaioli’s recent production of ceramics is memorable. The subject is still the newborn baby girl, sometimes headless, a life-size form made of opaque white terracotta. This time the metamorphosis involves the plant world: added to the small figure are ficus leaves that traverse it and extend slightly beyond it. However, here that which is effortless and without drama, in the illusionistic dimension of painting as well as in dreams, takes on a concreteness that is almost disturbing. The leaves, made of the same hard white matter as the body, are blades, knives that pierce it; these arouse a sense of alarm that not even the serene facial expression can dispel. It would be banal (and misleading) to talk about genetic engineering, of the threat of monstrous hybrids. It’s better to emphasize the ability of this artist to conduct a study of forms that are unfinished, not pacified, and in the most successful cases, in which a single detail is enough to maintain a constant tension.”
Una constatazione iniziale: la pittura di Andrea Massaioli, specie quella più recente, sfugge abilmente al commento. Niente narrazione, nessuna citazione esibita, nessuna impalcatura teorica a cui aggrapparsi. Il fascino delle sue immagini è elusivo. Si nasconde alla superficie, sulla superficie tersa di dipinti in cui niente è nascosto.(…) La figura infantile viene trasformata in un enigmatico androgino, di età indefinita, il petto e l’addome del quale sono solcati da due file parallele di capezzoli. Una invenzione inquietante e delicata al tempo stesso, che prende spunto da una possibilità anatomica reale (benché rarissima nell’uomo) per accentuare la suggestione di un universo di creature indissolubilmente legate ai fluidi, che dai fluidi traggono alimento e lo generano. Da ricordare, infine, la recentissima produzione di ceramiche di Massaioli. Il soggetto è ancora una neonata, qualche volta acefala, modellata a grandezza naturale in terracotta bianca opaca. La metamorfosi coinvolge questa volta il mondo vegetale: alla piccola figura si uniscono foglie di ficus che la attraversano e protendono da essa la punta. Quello che, nella dimensione illusionistica della pittura, così come nei sogni, avviene senza sforzo né dramma, qui assume invece una concretezza che quasi disturba. Le foglie, formate nella stessa materia dura e bianca del corpo, sono lame, coltelli che lo trapassano; suscitano un senso di allarme che l’espressione serena del viso non basta a dissipare. Sarebbe banale (oltre che fuorviante) parlare di ingegneria genetica, della minaccia di ibridi mostruosi. Meglio sottolineare la capacità di questo artista di condurre uno studio di forme non concluso in sé stesso, non pacificato, che un singolo dettaglio, nei casi più felici, basta a mantenere in costante tensione”.
Bruno Grossetti (1998)
“Massaioli paints the frog’s anatomy at the same way he would work on a human body. The similitude between the two anatomies, the anxiety for the man’s evolution through the study of the aquatic-amphibious of our fetus. Also the frogs are naked, their skin belongs to the divinities that ask for respect.”
“Massaioli dipinge l’anatomia delle rane con lo stesso metodo con cui lavorerebbe sul nudo umano. La similitudine fra le due anatomie, l’inquietudine per l’evoluzione dell’uomo attraverso lo studio acquatico-anfibio del nostro feto. Anche le rane sono nude, la loro pelle appartiene alle divinità che chiedono rispetto.”
Guido Curto (1998)
“As in all Massaioli’s works, his research is primarily formal, pictorial or in this case plastic. The subject is an excuse. If anything, should be reported this rapprochement of Massaioli with sculpture, successfully practiced until a few years ago, creating large white mushrooms or rifles with post-pop connotations. (…) However, the constant, almost obsessive reference to the animal world cannot go unnoticed.”
Come in tutti i lavori di Massaioli la sua ricerca è eminentemente formale, pittorica o in questo caso plastica. Il soggetto è poco più un pretesto. Semmai va segnalato questo riavvicinarsi di Massaioli alla scultura, praticata con successo fino a non pochi anni fa, realizzando grandi funghi bianchi o fucili dalle connotazioni post-pop. (…) Non può comunque passare inosservato il costante, quasi ossessivo, riferimento al mondo animale.
Luisa Perlo (1998)
“Slightly more than a dozen are the themes studied in depth by Andrea Massaioli in almost fifteen years of pictorial activity. The work, from 1995, purchased by the Guido and Ettore De Fornaris Foundation (FD 4991), belongs to a series, started in 1993, and entitled Pesci. Some painted wooden sculptures of Pesci and Stoccafissi, created in 1994, have also been dedicated to this theme. As in most of the artist’s works, the compositional structure is extremely simple and essential: two silhouettes painted in shades of Prussian blue on a jute support prepared with a lean primer. The subject is “suspended” in a monochrome field, according to a heraldic conception of painting which gives the image an appearance. Great importance is attributed by Massaioli to the procedure with which the final outcome is determined, with a particular preference for the large format, which allows the liquid pictorial material to acquire an independent life and destiny. Prepared with pure pigments and rabbit glue, it is left to settle on the canvas placed horizontally, waiting for the fate to create only partially controllable paths. The result is extremely refined, with accents of tonal vibration underlined by a nervous and fragile design, at the service of an overall “cunningly” elementary outcome (P Fossati, 1991). The same subject is iterated in numerous variations, proceeding by progressive subtractions, until the image is metabolized losing contact with the initial suggestion.”
“Poco più di una decina sono i temi approfonditi da Andrea Massaioli in quasi quindici anni di attività pittorica. L’opera, del 1995, acquistata dalla Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris (FD 4991), appartiene a una serie, iniziata nel 1993, ed intitolata Pesci. A questo tema sono state dedicate anche alcune sculture in legno dipinto di Pesci e Stoccafissi, realizzate nel 1994. Come in gran parte delle prove dell’artista I’impianto compositivo risulta estremamente semplice ed essenziale: due sagome dipinte nei toni del blu di Prussia e oltremare su di un supporto di iuta preparato con un’imprimitura magra. II soggetto è “sospeso” in un campo monocromo, secondo una concezione araldica della pittura che conferisce all’.immagine un carattere di apparizione. Grande rilievo è attribuito da Massaioli al procedimento con cui I’esito finale si determina, con una particolare predilezione per il grande formato, che consente alla liquida materia pittorica di acquisire una vita e un destino autonomi. Preparata con pigmenti puri e colla di coniglio, viene lasciata decantare sulla tela posta in orizzontale, in attesa che il caso crei percorsi solo parzialmente controllabili. Ne conseguono esiti di estrema raffinatezza, con accenti di vibrazione tonale sottolineati da.un disegno nervoso e fragile, al servizio di un esito complessivo “scaltramente” (P Fossati, 1991) elementare. Lo stesso soggetto viene iterato in numerose varianti, procedendo per sottrazioni progressive, fino a che I’immagine viene metabolizzata perdendo contatto con la suggestione iniziale.”
Michele Dantini (1995)
“If Andrea’s paintings always simulate a space, a suspension of figurative objects, the sculptures / installations live literally on this suspension. Fish and mushrooms, creatures of silence and metamorphosis, alternate in lamellar forms or arabesques, and outline their profiles, their tremulous activity on the wall: objects archetypically sinuous, there are ambiguous and provocative forms, half sculptures, half elements of post-pop scenography – eclipses; magic, passages, shadows. The best houses in Ceroli – its figure-profiles – and the silhouettes of the Roman 60s come to mind: but the big city, a place of conflict and innovation, is replaced by the shady quiet of the seabed, ponds and undergrowth. Carol Rama’s slender alcove distillations come to mind, expertly misplaced among the corners and drawers, trinkets and exhibitions of personal objects that have fain become fetishes. Something like that happens – it’s not difficult to verify – to Andrea’s willowy amanite, and there is always a metaphorical interest – a game. There’s nothing more exotic, nor more apt for interpreting a sexual fantasy than a mushroom, a deep-sea fish, or a insect.”
“Se i dipinti di Andrea simulano sempre uno spazio, una sospensione degli oggetti figurati, le sculture/installazioni vivono, letteralmente, di questa sospensione. Pesci e funghi, creature del silenzio e della metamorfosi, si alternano, in forme lamellari o in arabeschi, e profilano i loro contorni, la loro tremula attività sulla parete: oggetti. archetipicamente sinuosi, esistono in forma ambigua e provocante, per metà sculture, per metà elementi di scenografie post-pop – eclissi; magie, passaggi, ombre. Vengono in mente le case migliori di Ceroli – le sue figure-profili – e le silhouettes degli anni ‘60 romani: ma alla grande città, luogo di conflitti e di innovazioni, si sostituisce la quiete ombros dei fondali, degli stagni e dei sottoboschi. Vengono pure in mente le sottili distillazioni d’alcova di Carol Rama, sapientemente smarrita tra angoli e cassetti, chincaglierie e rassegne di oggetti personali divenuti lievemente feticci. Qualcosa del genere accade – non è difficile verificare – alle flessuose amanite di Andrea, ed è sempre presente un interesse metaforico – un giuoco. Niente di più esotico, nè di più disponibile a interpretare una fantasia sessuale, del fungo, del pesce di profondità, dell’insetto.”
Valentina Bonomo (1995)
“Andrea created a supernatural transfigured world that finds its physiognomy in the sedateness of the hill. His universe of natural organic shapes doesn’t have a center, it’s all peripheral, everything vanishes and nothing goes to the bottom, the image lives on the deep surface of the canvas or in the white wood shapes, capable of infinite metamorphosis, changing shape but not nature. They look like inconsistent, dehydrated appearances, coming from other spaces that travel for a moment in our sky and light it up with a cold glare like if it was the light of a different moon.”
“Andrea ha creato un mondo di trasfigurazione sovrannaturale che nella calma della collina trova la sua fisionomia. Il suo universo di forme organiche naturali non ha un centro, è tutto periferico, tutto si dilegua e nulla va a fondo, l’immagine vive sulla superficie profonda del quadro o nelle bianche forme di legno, capace di metamorfosi infinite, cambia figura ma non natura. Sembrano apparizioni inconsistenti, disidratate, provenienti da altri spazi che viaggiano per un attimo nel nostro cielo e lo illuminano con un bagliore freddo come se fosse luce di un’altra luna.”
Jerry Lee Cibilich (1994)
“Teonanacatl
An image that enters in the mind like a spore, making a mycelium, mixing up in the brain with a memory of image, in a dicariotico relationship, new rhizomorficichannels converge, on these channels develop the primordium, new ideas, a new image of an unkown onject. Each canvas gets filled with more fluid, the stem, the ring, the “fruitbody” of the mushroom, the hat opens up and from the lamellae the new violet spores propagate in order to micorizalmente full the mind.”
“Teonanacatl
Un’immagine che entra nella mente come una spora, formando micelio, mescolandosi nel cervello con una memoria di immagine, in un rapporto dicariotico, convergono nuovi canali rizomorfici, sui quali si sviluppano i primordium, nuove idee, una nuova immagine di un oggetto conosciuto. Ogni tela si riempie con più fluido, il gambo, l’anello, il “fruitbody” del fungo e dei tuoi quadri, il cappello apre e dalle lamelle si propagano le nuove spore viola a micorizalmente riempire la mente.”
Bruno Grossetti (1994)
“It’s very convincing the immediacity and the simplicity of your process of appropriation, similar to that of a child: touching, putting in the mouth, assimilating. This way you create knowledge! You create transforming the things/shapes in “soul”, metaphysical memory, ghosts that one by one become part of your world: the world of the “animaRe”.”
“Convincente l’immediatezza e la semplicità del tuo processo di appropriazione, simile a quella del bambino: toccare, mettere in bocca, assimilare. Così si crea conoscenza! Il tuo creare è la trasformazione delle cose/forme in “anima”, memoria metafisica, fantasmi che uno dopo l’altro vanno a comporre il tuo nuovo mondo: il mondo dell’ ”animaRe”.”
Giancarlo Norese (1991)
“Whatever it’s motorcycles, sicilian or horses’ heads, guns, it doesn’t matter. They are the trusting objects that Andrea purifies by emptying them from their innards, and relivering them to us in a perfect state of dried essente. The Oceania’s aborigenes show us, with their Ray X painting, human and animal bodies seen from the inside: Andrea, on the other hand, is the crazy scientist that with his personal recipe digs in the alive things that he collects, he holds the juice for himself and show us the shells and the vegetable shapes into which they transformed. I know thaat these shells and these dry branches that looks inert and without life, one day or the other will sprout and won’t let you sleep.”
“Siano motociclette, teste di siciliano o di cavallo, afriche o fucili non importa. Sono gli oggetti di fiducia che Andrea purifica svuotandoli delle proprie interiora, tanto poi ce li riconsegna mostrandoceli in uno stato perfetto d’essicata presenza. Gli aborigeni dell’Oceania ci fanno scorgere, con la loro pittura a raggi X, i corpi d’uomo e d’animale visti dal di dentro: Andrea è invece lo scienziato pazzo che con la sua personale ricetta scava nelle cose vive che raccoglie, ne trattiene il succo per se e ci mostra i gusci e le forme vegetali nelle quali si sono trasformate. Lo so che questi gusci e questi rami secchi che sembrano inerti e privi di vita, un giorno o l’altro germogliano e non ti lasciano dormire.”
Dario Trento (1991)
“In fact the figures don’t touch the groud as well as they don’t touch the canvas, they are suspended, giving the feeling that, if there wasn’t the edge of the canvas, they would fly away. They are suspended but they are not still and silent and they make a continuous and insistent buzz on the perception organs, like an helicopter that keeps its position, or a bug that is suspended, flying, close to his target. The substance, inside which the shapes are suspended, is milky and thick, cream color, strawberry or rasberry, and defines a space without supporting points or edges. On the other hand the objects’ substance is hard, sharp and cutting at the edges, and flat and metallic on the inside, like an old ensign.”
“Rappresentavano sagome di motociclette e in seguito da molti ho sentito dire che ricordano corpi di insetti: Anch’io trovo che la cosa funzioni, per le immagini in sè, ma più ancora per i riverberi che provocano. Infatti le figure non poggiano nè per terra nè sul piano della tela, ma stanno librate in alto dando la sensazione che, se non ci fosse il bordo del quadro, proseguirebbero oltre. Ma anche stando così sospese non restano ferme e silenziose, e producono un ronzio continuo e insistente sugli organi della percezione, come di elicottero che si tenga in posizione, o di insetto che sosti in volo in prossimità del suo obiettivo. La materia dentro la quale le forme si mantengono librate è lattiginosa e densa, color panna, fragola o lampone, e definisce uno spazio senza punti d’appoggio. nè bordi, attraversabile, ricettivo. Invece la materia degli oggetti è dura, acuminata e tagliente ai bordi, e piatta e metallica dentro, come un’insegna antica.”
Paolo Fossati (1990)
“An inventory, of train wagons and motorcycles, or, more likely, an herbarium.[…] An herbarium, I add immediately, with his intellectual pedigree, as a careful painter: and one of the direct ascendants is the billboard, the poster, the “thing” shown in all its suggestion and image power. A larva, like the one dried by Massaioli on its canvas, a visual find recovered and fixed in this way has an objective, advertising ancestry; with the obvious variant of lyricism in paginating the single façade of the herbarium that objective fantasy colors real situation. We have seen and experienced posters, we could conclude, as referents. As a possible organization of a complex situation: motorcycle, of course, but scattered, beyond the genre, and the family, red motorcycles, in various minute particular situations. (Actually, a description of Massaioli painter should start from technical data. The supports he uses, the colors he adopts, the relationships between drawn parts, blocks of color and tinting of the surface. Not that the procedure counts that much. The reason is that starting from the materiality of each painting we would discover a curious inverted relationship: a great attention, and activity, and choice of means and ways, a shrewdness of class, for visually simple, even uncovered, shrewdly elementary results. An inverted economy which represents some precise strategy). He marks a name, a sign, and moves on. He does it sistematically, he signs race, tribe and family, but without granting, pictorically, too much. He signs it in a big paper with spreaded colours, with surface’s vaporization: he creates a space that is not the one, naked and harsh, of the paper, but it’s already a modified space from the written wagon at the center on top, to the compact Guzzi just a little below.”
“Un inventario, di vagoni ferroviari e di motociclette, o, più probabilmente, un erbario.[…] Un erbario, aggiungo subito, con un suo pedigree intellettuale, da pittore attento: ed uno degli ascendenti diretti è il cartellone pubblicitario, il manifesto, la “cosa” mostrata in tutta la sua suggestione e potenza di immagine. Una larva, come quella disseccata da Massaioli sulla sua tela, cioè un reperto visivo recuperato e fissato così ha un’ascendenza oggettiva, pubblicitaria; con l’ovvia variante del lirismo nell’impaginare la singola facciata dell’erbario che quella fantasia obiettiva colora di cosa vista, di situazione reale. Manifesti visti e sperimentati, potremmo concludere, come referenti. Come possibile organizzazione di una situazione complessa: motocicletta, certo, ma disseminata, aldilà del genere, e della famiglia, motociclette rosse, in svariate minute situazioni particolari. (In realtà, una descrizione di Massaioli pittore dovrebbe muovere da dati tecnici. I supporti che usa, i colori che adotta, i rapporti fra parti disegnate, blocchi di colore e tinteggiamento della superficie. Non perché la procedura conti poi più di tanto. La ragione è che partendo dalla materialità di ogni quadro si scoprirebbe un curioso rapporto invertito: una grande attenzione, ed attività, e scelta di mezzi e modi, una scaltrezza di gran classe, per risultati visivamente semplici, perfino scopertamente, scaltramente elementari. Un’economia rovesciata che rappresenta, a sua volta, una qualche precisa strategia). Segna un nome, appunta un segnale, e va altrove. Lo lascia con sistematicità, ne segna razza tribù e famiglia, ma senza concedergli, pittoricamente più di tanto. Lo segna in un gran foglio a colori spalmati, a vaporizzazioni di superficie: crea uno spazio che non è quello, nudo e crudo, del foglio, è già uno spazio modificato dal vagone scritto in alto al centro, o dal Guzzi compatto appena più in basso.”
Salvatore Di Leonardo (1984)
“The exercise of making peace with the surface of things, reducing its nature, making ethereal the substance that divides what we are from the nothingness, belongs to the craft of painting icons, that makes the physical place of surface painting privileged, favorite. Therefore Andrea Massaioli “works” the place of painting until the infinitesimal of the gauz, in a ZENONIANA “bet” that reminds us that surface and nothingness never meet, but they are always mysteriously identical. The thin line on which the colour is disposed, allows to see the deep blue of the universe in which are defined, winking, the chromatic constructions, maybe its numbers, its shapes.”
“L’esercizio del rappacificarsi con la superficie delle cose rastremandone la natura, rendendone eterea la sostanza che divide ciò che noi siamo dal nulla, appartiene al mestiere del pittore di icone che rende il luogo fisico della pittura superficie privilegiata, prediletta. Così Andrea Massaioli “lavora” il luogo della pittura sino all’infinitesimale della garza, in una “scommessa” zenoniana che ci ricorda che superficie e nulla non si incontrano mai, ma sempre sono misteriosamente identici.
La linea sottile su cui si dispone il colore lascia intravedere il blu profondo dell’universo in cui si delineano, baluginanti, le sue costruzioni cromatiche, forse i suoi numeri, le sue forme.”